Un espectador indignado escribió una vez una carta al director Sam Peckinpah, declarando que encontró la violencia en 1969. Camarilla salvaje ser «sin sentido». ¿La respuesta de Peckinpah? «Lo encuentras sin sentido en una película y yo lo colisión totalmente sin sentido en la vida».

Su broma resumió perfectamente el debate sobre la violencia en la pantalla que se libraba en ese momento, y la conflagración de palabras solo se intensificó en 1971. Un cuarteto de películas explosivas estrenadas ese año entre octubre y diciembre ayudó a cambiar para siempre la forma en que el caos y el derramamiento de muerte se retratarían en películas. Un crítico lo llamó la etapa de «cine de choque«:

El primero de estos fue La conexión francesa el 7 de octubre. Director William Friedkin volvió a sus raíces como realizador de documentales para explorar el costado vago de la policía y la violencia. En la superficie, es una historia simplificada sobre un par de policías de la ciudad de Nueva York que intentan reventar una red de contrabando de heroína. Debajo, La conexión francesa llevó a un punto crítico una tendencia de cineastas que se hartaron de la idea de que sus películas sobre crímenes tenían que delinear claramente a los buenos y a los malos, y terminar con notas felices.

Estados Unidos había estado en medio de una época incómoda y violenta durante más de una plazo. El Movimiento por los Derechos Civiles estaba en pleno apogeo, y la gentío estaba acostumbrada a encender la televisión para ver a los manifestantes siendo atacados por perros policías o con mangueras contra incendios. Hubo asesinatos, bombardeos políticos y tropas de la Agente Doméstico dispararon contra estudiantes en la calle. Encima, la conflagración de Vietnam estaba arrasando. Los informes de informativo nocturnas incluían recuentos de cadáveres de los soldados muertos ese día, y el presidente Richard Nixon estaba autorizando misiones secretas de cañoneo de Estados Unidos en los países no combatientes de Laos y Camboya.

Muchos cineastas respondieron rechazando el Código Hays que durante décadas había regulado lo que se podía mostrar en pantalla. A finales de los 60, películas como Bonnie y Clyde, Punto en blanco, La docena sucia y Camarilla salvaje comenzó a representar cada vez más la violencia en la pantalla de formas más realistas y viscerales, al tiempo que se negaba a fingir que la violencia siempre era explicable y siempre realizada por héroes nobles.

La conexión francesa tomó este cinismo y lo lanzó a la corriente principal. Contaba con policías intransigentes e impenitentes violentos (interpretados por Gene Hackman y Roy Scheider), y se negó a dar al notorio una resolución firme al final, ya que los principales narcotraficantes nunca fueron detenidos. Igualmente fue nominada a ocho premios de la Agrupación, ganando cinco. La conexión francesa no era una película abiertamente política, pero Freidkin señaló en un Entrevista 2012 que una de sus inspiraciones fue la película del director incomprensible Costa-Gavras Z, un examen agudo de la corrupción política. Al igual que con Z, El realismo de estilo documental de Freidkin hace que sea difícil no analizar la película como una confesión sobre las verdades de la vida estadounidense en ese momento.

Una Naranja Mecánica, que se inauguró varios meses posteriormente el 19 de diciembre en la ciudad de Nueva York, llevó este comentario social en una dirección satírica y vigorizante. Ambientada en una Inglaterra futurista y basada en la novelística de 1962 de Anthony Burgess, Stanley KubrickLa película cuenta la historia de Alex DeLarge (Malcolm McDowell), el líder de una bandada de jóvenes matones cuyos pasatiempos incluyen asalto, robo y violación.

Cuando es arrestado, las autoridades intentan corregir a Alex sometiéndolo a una especie de condicionamiento psicológico en el que está expuesto a tantas imágenes violentas y sexuales que desarrolla una inquina implacable cerca de ellas. Luego de sufrir terribles indignidades a manos de sus antiguos amigos y sus antiguas víctimas, Alex se da cuenta al final de que el condicionamiento no ha funcionado, que es capaz de retornar a sus viejas costumbres.

La conexión francesa dio voz a un cinismo sobre la autoridad que había llegado a marcar la vida estadounidense, mientras Una Naranja Mecánica se apuntó a los miedos culturales de la inexperiencia degenerada y el panorama saturado de medios.

Estos fueron nuevamente temas que las películas anteriores habían explorado: El investido, Jinete facil y Vaquero de medianoche, entre muchos otros, había articulado la conocimiento de que los jóvenes, que protestaban, encontraban formas alternativas de existir y se decían unos a otros que no confiaran en nadie longevo de 25 primaveras, iban a arruinarse a sí mismos y a la sociedad.

Pero Una Naranja Mecánica difería en su aspecto de confrontación cerca de el espectador. En secuencias como aquella en la que Alex canturrea «Cantando bajo la tempestad» mientras él y sus «droogs» golpean a un hombre casi hasta la asesinato y violan a su esposa, la película encuentra un registro impactante de sátira combativa, lo que sugiere que debajo del brillo acertado de El entretenimiento contemporáneo yace en una sociedad hirviendo de furor y podrida hasta la esencia.

Tres dias despues Una Naranja Mecánica abrió en Nueva York, Peckinpah’s Perros de paja abrió el 22 de diciembre en Los Ángeles. La más impactante de las cuatro películas que aparecerán ese otoño, funciona con el mismo material temático que las películas de Kubrick y Friedkin, pero se centra en el personaje de un hombre popular y sin pretensiones. ¿El gol de Peckinpah con la película? Para hacer gentío «temeroso y muy, muy incómodo sobre su propio potencial de violencia «.

Dustin Hoffman interpreta al matemático estadounidense David Sumner, que se muda a la ciudad procedente de su esposa de Cornualles, Amy (Susan George). Allí, entran en conflicto con los tipos duros del punto, a quienes no les gusta David porque es diminuto y callado y se ha casado con la chica más hermosa del vecindario. Estos enfrentamientos aumentan en intensidad hasta que uno de los matones viola a Amy, y el acto final de la película involucra a los lugareños que asedian la casa de David y Amy, durante el cual David los combate y los mata de modo desagradable.

Peckinpah no muestra simplemente violencia en la pantalla de la película. Utiliza el medio para exigir a la audiencia a enfrentarse a esa violencia. Esto implica el afamado uso de la fotografía en cámara lenta, de la que fue pionero en Camarilla salvaje. Para Perros de paja, Peckinpah muestra la argumento de alguno que es asesinado a velocidad regular y luego desacelera las imágenes de su cuerpo sin vida estrellándose contra el suelo. De esta modo, resalta no la emoción visceral sino el huella de matar.

La película terminada además presenta una gran cantidad de trabajo de estampación imponente, en el que los flashbacks de la violación desde el punto de clarividencia de Amy obligan al espectador una y otra vez a desavenir el complicado horror de ese acto.

Perros de paja Hoy en día sigue siendo un cronómetro difícil, pero en 1971 gran parte de la respuesta fue mordaz. Variedad la describió como «una orgía de violencia y maldad sin precedentes», mientras que Roger Ebert tronó que «lo más ofensivo de la película es su hipocresía; está totalmente comprometida con el pornografía de violencia. » Perros de paja fue prohibido en el Reino Unido y tuvo que retornar a cortarse para ser osado en los EE. UU.

La película final del cuarteto, Harry el abandonado, se abrió de par en par al día posterior Perros de paja. Fue una película mucho más tradicional que las otras tres, y de alguna modo tuvo el longevo impacto de todas, ya que el director Don Siegel inyectó su vago material temático en la forma en que Hollywood concibió a sus héroes duros.

Clint Eastwood interpreta a Harry Callahan, un inspector del Sección de Policía de San Francisco. Un pistolero psicótico que se hace tachar «Escorpio» (Andy Robinson) está aterrorizando a la ciudad matando a ciudadanos al azar, y Callahan debe detenerlo. Sus enfrentamientos se convierten en una especie de encaje del micifuz y el ratón, con Escorpio burlándose de Callahan y el policía rompiendo las reglas en su intento de poner fin a los asesinatos. Cuando Callahan finalmente mata a Escorpio al final, tira su placa, presumiblemente indicando que está harto del trabajo o de las reglas que lo restringen a él y a otros policías.

Me gusta La conexión francesa, Harry el abandonado presenta a un policía que está dispuesto a hacer todo lo posible para conseguir a su hombre. Pero a diferencia de la película de Friedkin, convierte a ese hombre en un símbolo que celebra las duras medidas necesarias para combatir la desgobierno estadounidense. Y donde Perros de paja plantea preguntas angustiosas sobre por qué las personas cometen violencia y el resultado de esos actos, Harry el abandonado simplifica la ecuación: los malos cometen violencia porque son malos, y el único remedio es la violencia justificada que les infligen los buenos.

De estas y otras formas, la película de Siegel contribuyó a que naciera el clase de las películas de argumento, que finalmente llegó a dominar el espacio que hasta entonces había estado ocupado por lo que se consideraba «películas de crímenes»: Callahan se enfrenta a una nueva pareja. , se enreda con un comisario de policía oficinesco y tiene una vida amorosa convulsa. Todos estos se convertirían en tropos de clase fríos como una piedra en las décadas siguientes.

Pero su huella más profundo estaba comenzando a revertir las polaridades de las tres películas que lo precedieron ese otoño. La conexión francesa, Una Naranja Mecánica y Perros de paja todos trabajaron a su modo para exigir al espectador a preocuparse por lo que estaba ocurriendo en la pantalla, ya sea a través de finales emocionalmente insatisfactorios, sátira negra como boca de lobo o técnica cinematográfica directa. A diferencia de, Harry el abandonado usó matices de esos mismos enfoques para tranquilizar a su espectador de que no importa cuán peligrosas sean las cosas, un héroe de luceros acerados con un armamento sobresaliente está en camino para rescatarte.

El otoño de 1971 fue un momento incuestionablemente vago en la historia del cine, pero ese momento no duraría mucho. La Querella de Vietnam ya estaba a punto de terminar, y pronto la gentío quiso combatir el malestar de principios de los 70 escapándose de él en punto de confrontarlo.

Tres primaveras y medio posteriormente Harry el abandonado, De Steven Spielberg Mandíbulas estalló en los cines, inventando el éxito de taquilla del verano y ayudando a alejar las preferencias de la audiencia estadounidense de las temáticas y acercarlas a la emoción. Dos primaveras posteriormente de eso, Querella de las Galaxias apareció, catapultando a los espectadores aún más cerca de el tipo de entretenimiento masivo escapista que se convirtió en equivalente de los primaveras 80.

Pero durante ese breve momento en 1971, era posible preguntarse si alguna vez habría un escape del caos que nos envolvía, allá fuera en las calles y allá en lo alto en la pantalla.

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